2024年9月10日至23日，“植本育新——首都师范大学建校70周年美术作品展”在中国美术馆成功举办。此次展览系统呈现了首都师范大学美术学科的学脉渊源、历史进程及当代发展，展出了卫天霖、李瑞年、吴冠中等众多蜚声艺林的名家名师的艺术精品，展览的学术性与艺术性得到普遍认可与广泛讨论。

学脉文心传承不怠，艺术精神历久弥新。以此次展览为契机，星空(中国)将陆续推出系列文章，对展览中的名家名作进行深入解读，考察学术价值与艺术品格，阐发文化厚蕴与治学精神，以飨观者。美育浸润文心，艺术涵养人文。经典作品的传承与解读衔接历史与当下，在各个时期的作品中，首都师范大学美术学科深厚的学术积淀以及重传统、倡多元、求创新的发展理念由此显现。同时，也可借此管窥20世纪由传统走向现代的波澜壮阔的中国美术进程，丰富历史叙事，彰显时代风貌。

卫天霖 《桃》 1972年 布面油画 61×46cm 现收藏于‌星空平台

20世纪中国美术史蕴涵着丰富、多元的文化图景，而这图景的缔造者，即是曾经鲜活地存在于这段历史中的那些广为人知的和那些已被“遮蔽”或渐渐忘却的艺术家们。他们激荡的心灵和不息的创造，让我们对20世纪美术史的认知和书写成为可能。上世纪初，大批美术留学生就是这一精英群体的代表。他们擎举着“艺术救国”之理想，求艺欧美和东瀛，归国后纷纷投身倡美扬新的艺术创作和学院美术教育实践，共同推动中国现代美术进入一个崭新时代。首都师范大学美术学科的重要奠基人和开创者卫天霖先生，即为此现代艺术家群体中的重要一员。对卫天霖艺术的深入梳理和全新释读，某种意义上关乎我们对中国现代油画史的再度理解。

首都师范大学是卫天霖艺术作品的集中收藏地，也是研究、展示、传播卫氏艺术的权威学术平台。本次展览共展出卫天霖的七件油画:《自画像》《葵花》《桃》《芍药》《瓶花》《静物》《葵花（稿）》，除晚年所作《自画像》外，皆为表达健朗、明澈生活意趣的静物题材，呈现出卫氏绘画中极具代表性的厚重、丰沛、灿烂之色彩语言，更传递出画家静心观物、于日常和平凡中寻遇美好的淳朴与敏锐。

卫天霖 《芍药》 1956年 布面油画 61×50cm 现收藏于‌星空平台

卫天霖 《葵花》 1977年 布面油画 41×32cm 现收藏于‌星空平台

其中《芍药》是卫天霖喜写、常写的画题，从1930年创作的《白芍药》至1976年的《青花瓷瓶中的白芍》，目前可见有20余幅以芍药为题的静物作品。“葵花”亦是卫天霖常写的画题，本次展出的《葵花》作于1977年，是其晚年静物画名作。画家在笔触涌动的蓝绿底子上描绘一朵炽热的向日葵，似火的黄使葵花被包围在光晕之中，奋力咏唱着自己的生命活力。花中央与底色相呼应的绿格外醒目，将作为主体的葵花忽地曳回背景中，似一记强击般为整幅画面谱出跳跃又和谐的调子，可看出卫天霖在运色上的炉火纯青。

卫天霖 《自画像》 1971年 布面油画 68.5×55.5cm 现收藏于‌星空平台

卫天霖 《葵花（稿）》 1974年 布面油画 53×46cm 现收藏于‌星空平台

卫天霖保存至今可查的自画像共有五幅，分别作于1926年、1927年、1928年、1939年和1971年，此次展出的《自画像》是最晚的一幅。画家寄情写心，画中的表现主义风格通过不同寻常的迅捷笔触倾泻而出。另一《葵花（稿）》仅勾勒轮廓，间有率性无序、颇具实验感的线条跳宕而出，通过未完成、生成中的特殊状态，真切记录了卫氏创作中构思、选材、用笔、施彩、修订等连续过程中的重要环节。正如他曾言“美术史实际上是美的技法发展史”，这两件作品恰这一过程的展示，在一定程度上向观者立体还原其绘画语言探索的路径，学术价值不言而喻。

卫天霖 《静物》 1973年 布面油画 60.5×72.5cm 现收藏于‌星空平台

《静物》以饱满的色彩叠累着繁茂的物象，予观者以雄强的视觉冲击。层叠着的色彩与坚实的物形构造使画面色调重而不浊，满而不塞，在“厚重”与“纯净”之间契成某种高妙的平衡，意蕴绵长。这正是卫天霖绘画中的一种独特语言：诸如自由、绚丽、晶莹、响亮等多重面貌并置于画中，而毫无驳杂、聚力共情地表彰出朴怀真貌与和谐大美。

这几幅展品仅为卫天霖艺术人生之点滴，见微可知著，他用坚卓的画笔写就了本无需言辞赋陈的朴素传记。一幅幅画作如梦如影，在记忆的时光中静静流淌，京华故都春秋往复，白芍黄葵兀自怒放，世事无端离合聚散，油彩尽可照鉴人心。

文/张鹏

星空平台美术馆馆长、教授、博士生导师

卫天霖 《瓶花》 1974年 布面油画 100x80cm 现收藏于‌星空平台

《瓶花》是卫天霖晚年创作的静物代表作之一。

卫天霖1898年生于山西省汾阳县,是中国现代油画的先驱者之一，是探索中国油画民族化的突出代表。在山西浓厚民间艺术氛围的滋养和家学书香文化的熏陶下，先生从小就崭露出一定的艺术才华。1920年，卫天霖作为山西省第一名专攻绘画的学生赴日本留学。留学期间得以受教于曾留学法国和意大利的著名油画家藤岛武二。在藤岛武二“艺术创作应具有独立的民族审美意识，东方艺术要有东方特色”的艺术理念引导下，在留学期间及归国后长期的艺术探索中，一直致力于将西方油画与中国传统文化相融合的探索，广泛从中国民间美术、工艺美术以及中国传统绘画艺术中汲取营养，创造出独具中国美学特色的油画作品。其作品讲究构图，关照画面总体构成与物象结构的理性分析；注重以色造型，通过冷暖、色相、明度等色彩关系的推敲与生发，以中国传统的线面结合的表现笔法，成功再现了物象的质感及特征，营造出画面的空间感、节奏感和流动感。作品从立意、构图、色彩及笔法等方面无不体现出中华民族审美意识，整体呈现出色彩绚丽、斑斓厚重的艺术风格。

这幅《瓶花》呈现给我们的视觉感受似乎是一幅“未完成”作品。而恰是这种“未完成”的状态，才能传递给观赏者与众不同的视觉感受和情感体验。

卫天霖在教学中常说：“作画时，要将每一个进度画好，每一个进度都应是一个完整的画面。”《瓶花》是先生这一教学理念的具体呈现。画面整体构图完整，主题瓶花被安放在画面稍右侧，通过巧妙的点线面组合，使画面主次分明、虚实相间，空间层次明确；画家此时的油画表现技法日臻成熟，运用中国传统水墨写意方法，仿若中国画的泼墨挥毫，在酣畅淋漓间，将“胸中之竹”以不同颜色肆意挥发，勾勒出物象的轮廓，之后铺以不同的色块作底色，在看似不经意中色彩的冷暖、明暗、虚实等已跃然画面，营造出和谐、均衡而又充满动感的氛围。这种“未完成”作品与其层叠厚重的作品相比，更让人感到轻松而愉悦。

此幅《瓶花》创作于1974年，彼时的卫天霖，在经历特殊时期数年的阴霾后，终于能够重拾画笔，在肆意挥毫中尽情释放内心的情感，向世人传递着那份无言的美好与喜悦。卫天霖认为“艺术只有表现作者的心境，才具有生命。”“画家的任务就是把最美的献给人们。”相信这幅作品的观赏者都能够感同身受，能够深刻的体味卫天霖作品所蕴含的精神气质。

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